Una selección de 180 obras fundamentales para articular la radical transformación artística que experimentó Pablo Ruiz Picasso en 1920 para comprender el mural de Guernica.

Además de las obras del Centro Nacional Museo Reina Sofía en Madrid, el Museo Picasso, Centre Georges Pompidou de París; La Tate Modern de Londres; El MOMA y Metropolitan Museum de Nueva York han traído préstamos excepcionales.

"EL MUNDO ES UN CUARTO"Años 20 y 30

Esta sala es una visión personal del artista en la que se despide de su interpretación cubista del cuarto. El cubismo era un himno a la proximidad del mundo, de los objetos ( guitarras, botellas, fruteros...) Obras de colores llamativas y espacios sincopados. El interior ya no es un lugar seguro. El cuarto parece diluirse y desvanecerse, se difumina para dejar un espacio vacio.

Mandolina y guitarra 1924.Óleo y arena sobre lienzo.140x200cm.Museo Guggenheim N. York.Muebles,colchas,florituras son"individuo"hecho carne.Ningún otro estilo se adentró tanto en el espacio de la posesión que el cubismo.El cubo es en esencia la habitación
Mandolina y guitarra 1924.Óleo y arena sobre lienzo.140x200cm.Museo Guggenheim N. York.Muebles,colchas,florituras son"individuo"hecho carne.Ningún otro estilo se adentró tanto en el espacio de la posesión que el cubismo.El cubo es en esencia la habitación

La incertidumbre sobre la naturaleza del espacio es para Picasso un asunto cargado de emoción, sobre todo cuando el espacio en cuestión es el de un cuarto, una mesa, paredes, ventanas...El arte era la raraeza, la fragmentación de nuestro entorno en el SXX y se deleitaba en ella...El armazón era el "cuarto-espacio"

Instrumentos de música sobre una mesa 1924. Centro de Arte Reina Sofía.162x204cm. Si Einstein fuerza el lenguaje en pos de la intuición, el extraño lenguaje de Picasso procede de un más allá formal
Instrumentos de música sobre una mesa 1924. Centro de Arte Reina Sofía.162x204cm. Si Einstein fuerza el lenguaje en pos de la intuición, el extraño lenguaje de Picasso procede de un más allá formal

Incluso la idea del cubismo como geometría es defendible. Las "facetas" cubistas son los límites afilados del cuarto reiterados en la propiedada que proteger. Las imágenes nos llevan a un matiz Kantiano o a una frialdad racionalista...Los críticos trataron de trataron de conciliar la frescura y la rareza.

Busto y paleta 1925. Museo Nacional Reina Sofía.Algunos elementos quedan compensados, estabilizados por el encuadre de la ventana a modo de un cubo.
Busto y paleta 1925. Museo Nacional Reina Sofía.Algunos elementos quedan compensados, estabilizados por el encuadre de la ventana a modo de un cubo.

Toda una arqueología  de tonos y temáticas en las que Picasso se afanó en encontrar una nueva visión del mundo con la que superar dos crisis, una personal y  pictórica y otra de carácter sociopolítica. LA RAREZA DE LA EXISTENCIA CORPORAL genera figuras monstruosas. LA BÚSQUEDA DE UNA COMPRENSIÓN DE LO BELLO Y LO MONSTRUOSO COMO ALGO INSEPARABLE, entendidas como dos caras de una única entidad que defina la pintura anterior al Guernica.

Naturaleza muerta 1925.Óleo y arena sobre tabla.97x131cm. Centro Pompidou Paris. Se mantiene la arquitectura básica del cuarto y la mesa.Líneas blancas cruzan toda la superficie,la fruta flota como una figura recortadad de un teatrillo infan bidimensional
Naturaleza muerta 1925.Óleo y arena sobre tabla.97x131cm. Centro Pompidou Paris. Se mantiene la arquitectura básica del cuarto y la mesa.Líneas blancas cruzan toda la superficie,la fruta flota como una figura recortadad de un teatrillo infan bidimensional

El arte es encierro, estar dentro de algo...DESCRIBE LAS COSAS CON SOLEMNIDAD, CASI COSMOLÓGICAMENTE, RESULTA GRAVE PERO ACOGEDOR...Esta lleno de instrumentos, juguetes, utensilios, fruta, alcohol..periódicos, fragmentos de esculturas y pide al espectador que lo toque...son lugares donde la propiedad esta desvencijada, papel anticuado, sillones que crujen, la tapicería sucia..

Cabeza de carnero en una mesa 1925. Museo Nacional de Picasso en Paris.El terror y el deseo de dominación eran fundamentales en su visión del mundo,pero son frágiles,sus dibujos obsesionados con la muerte cobran fuerza,a veces el interior es una tumba.
Cabeza de carnero en una mesa 1925. Museo Nacional de Picasso en Paris.El terror y el deseo de dominación eran fundamentales en su visión del mundo,pero son frágiles,sus dibujos obsesionados con la muerte cobran fuerza,a veces el interior es una tumba.

El cuarto es en Picasso una realidad con dos vertientes:espacio de seguridad y placer..la guitarra, la botella..pero también un lugar de amenaza.."Creo en los fantasmas"

BELLEZA Y TERROR, punto de inflexión en Picasso

Les trois danseuses, 1925,  fueron un punto de inflexión.Rostros claramente amenazadores, irrumpe la oscuridad, el desmembramiento en el mundo del cuarto. Las figuras angustiadas sustituyen a las botellas. A partir de 1925 el terror pasó a ser un tema constante.

El terror encajando a la mujer como víctima en sillones de tortura, mujeres que miran y chillan en pánico, una especie de práctica artística desesperada, colores estridentes, cuerpos de garabatos imposibles. EL TERROR COHABITA CON LA COMPLEJIDAD Y EL ORDEN. LO TERRIBLE SE ADUEÑA DEL ARTE DE PICASSO.

Las tres bailarinas 1925. 215x142cm. Este cuadro supuso un punto de inflexión,marcando la irrupción de lo extravagante,lo monstruoso como existencia transformada por el miedo.
Las tres bailarinas 1925. 215x142cm. Este cuadro supuso un punto de inflexión,marcando la irrupción de lo extravagante,lo monstruoso como existencia transformada por el miedo.
Mujer en un sillón 1927.Minneapolis Institute of Art.La figura desnuda está atravesada,parecen ser haces de luz de una ventana,el amarillo de la carne parece arder, entonces vemos fantasmas,rostros que amenazan...
Mujer en un sillón 1927.Minneapolis Institute of Art.La figura desnuda está atravesada,parecen ser haces de luz de una ventana,el amarillo de la carne parece arder, entonces vemos fantasmas,rostros que amenazan...

Caras y fantasmas..en los momentos de máxima intensidad, la gran tragedia se apodera del ser humano. Ante el orden establecido, aparece el dolor y el odio, es la otra cara del amor...o tal vez para Picasso el amor es una máscara.El mundo es hostil, por eso hay parte de teatro y provocación en su obra.

Figure 1927. Centro Pompidou Paris. Una criatura desesperada gruñe en blanco y negro, rostros malévolos, afables, tristes, un impecable equilibrio pétreo.
Figure 1927. Centro Pompidou Paris. Una criatura desesperada gruñe en blanco y negro, rostros malévolos, afables, tristes, un impecable equilibrio pétreo.

A los seres humanos les cuesta, según parece indicar la historia, encontrar una forma para la violencia.Son figuras únicas, son monstruos íntimos, variaciones de lo estridente.El dolor se transforma en perplejidad...Caminando hacia el Guernica..un descenso en picado a la oscuridad

 Femme dans un fauteuil 1927. Museo Nacional Picasso Paris.
Femme dans un fauteuil 1927. Museo Nacional Picasso Paris.
Couple 1927. Cuanto mas nos adentramos en el mundo picassiano, más conscientes somos de la "familiaridad,el equilibrio" de los seres que contiene.
Couple 1927. Cuanto mas nos adentramos en el mundo picassiano, más conscientes somos de la "familiaridad,el equilibrio" de los seres que contiene.
Cabeza de mujer 1927.Óleo y carboncillo sobre lienzo.55x33cm.The Metropolitan Museum of Art.
Cabeza de mujer 1927.Óleo y carboncillo sobre lienzo.55x33cm.The Metropolitan Museum of Art.
El pintor y su model 1928. Óleo sobre lienzo, 129x163cm. Museo Moderno de Arte Nueva York.
El pintor y su model 1928. Óleo sobre lienzo, 129x163cm. Museo Moderno de Arte Nueva York.

MONSTRUOS Y MONUMENTOS

Figuras gigantescas y autosuficientes salen al espacio exterior con playa y cielo.

Los seres antropomórficos, desprovisto de cabeza, los personajes conquistan el territorio, tal vez como Caravaggio inauguró una forma de plasmar el espacio y distribuir la escena con una densidad atmosférica, aquí las herramientas del artista son la metamorfosis del instrumento sacrificador, el desgarramiento de la existencia humana, el arte como un ejercicio de crueldad, cuando el ser pierde su cabeza y la razón, cuando el espectador es testigo del ritual sangriento...ese ojo fálico adquiere un poder de  invertir el sacrificio y revertirlo....entonces la abominable curiosidad encuentra privilegiado consuelo en el arte. FUENTE Marisa Garcia Vergara,catálogo de la exposición.

Mujer en un sillón rojo 1929.55x46cm.Museo Picasso Málaga.
Mujer en un sillón rojo 1929.55x46cm.Museo Picasso Málaga.

Los monstruos de Picasso "hacen temblar la tierra bajo sus pies" pero de un modo que al final no provoca miedo sino mas bien un reconocimiento deslumbrado del yo, tal vez compungido. El yo si que es monstruoso, pero la monstruosidad es hermosa, quizá la única belleza verdadera que poseemos.

Desnudo de pie al borde del mar 1929.Óleo sobre lienzo.130x97cm. Metropolitan Museum of Art.
Desnudo de pie al borde del mar 1929.Óleo sobre lienzo.130x97cm. Metropolitan Museum of Art.

¿Cuándo irrumpió en su obra lo extravagante, o su radical desintegración y recomposición de la figura humana?

"El arte no está en absoluto ligado a la representación del horror, pero su movimiento lo sitúa a la altura de lo peor. Y recíprocamente la pintura del horror revela la apertura a lo posible. Al menos tiene la virtud de dedicar un momento de nuestra felicidad a la igualdad con la muerte. Si el arte es exorcismo, es porque logra reunir como el Eros primitivo los sexos opuestos, masculino y femenino. Porque revierte la pulsión desorganizadora que el orden de la representación clásica, opone, sin que pueda reunirse jamás la virilidad y el sexo, la naturaleza femenina y el ojo del pintor. De ahí la "monstruosidad bestial" de las criaturas de Picasso, que arrastran con su ruina el cuerpo clásico de la pintura tradicional, la trampa mortal del idealismo que encierra al hombre en la prisión de su deseo, convertido en modelo, concepto y valor de las cosas, petrificado en una muerte adelantada. Su radical desintegración y recomposición de la figura humana es el resultado de hurgar, recolectar residuos y recomponerlos a fragmentos, pariendo cuerpos dolorosamente construidos, integrando fragmentos de procedencia inconfesables...una monstruosa elocuencia a la inexpresiva belleza canónica. FUENTE: Marisa Garcia Vergara. Catálogo de la exposición.

Figuras al borde del mar 1931.Óleo sobre tabla,130x195cm. Museo Nacional Picasso Paris.
Figuras al borde del mar 1931.Óleo sobre tabla,130x195cm. Museo Nacional Picasso Paris.

Los desnudos recostados, claustrofóbicos, la parafernalia y la mezcla híbrida de sexos, un erotismo perverso de figuras descoyuntadas, con la lengua protuberante de las histéricas, la sonrisa vertical, la fusión de la violencia y la sexualidad...la figura femenina retorcida sobre sí misma, cabeza abajo, la nariz entre las nalgas y el orificio de la boca vertical...toda una exploración de variaciones erotizadas de la histeria...FUENTE : Marisa Garcia Vergara, catálogo de la exposición.

Mujer en el jardin de bronce soldado.209x116x81cm. Museo Nacional Reina Sofía.
Mujer en el jardin de bronce soldado.209x116x81cm. Museo Nacional Reina Sofía.

¿QUÉ SUCEDE CON LA TRAGEDIA?

La obra de Picasso, de una brutalidad horripilante domina el espacio. Durante 1934, año de la "noche de los cuchillos largos",  la purga de rivales afianzó a Hitler en el poder. El asesinato y horror de sus bocetos, se convierten en pedazos corporales o esculturas monstruosas, mortíferas golondrinas negras rajando la graganta de Marat o una Crucifixión, el único episodio cristiano que ilustró el artista, reflejando la crueldad como una característica humana básica.

La crucifixión.1932.Pluma y tinta china sobre papel.34x51cm. Museo Nacional Picasso Paris.Fue su única obra religiosa, simetría invertida con el cuerpo de Cristo, la cruz se vuelve madero retorcido..
La crucifixión.1932.Pluma y tinta china sobre papel.34x51cm. Museo Nacional Picasso Paris.Fue su única obra religiosa, simetría invertida con el cuerpo de Cristo, la cruz se vuelve madero retorcido..

Aquí despiertan los grandes sentimientos de la tragedia, la santidad, el pecado. Las pinturas de Marat exploran obsesiones psicosexuales de los surrealistas. Tal como una liberación psíquica o energía erótica de los grandes crímenes.

Le viol V.Suite Vollard 31..Punta seca sobre papel.34x44cm.Museo Reina Sofía.
Le viol V.Suite Vollard 31..Punta seca sobre papel.34x44cm.Museo Reina Sofía.

La muerte de Marat es una obra revolucionaria, pero en Picasso, los significados bailan una danza endemoniada. La identificación de Marat con Cristo, que en David enfatizaba el martirio del revolucionario, en Picasso deviene en martirio sexual, vinculado con una figura de mujer histérica y el exorcismo de sus demonios femeninos.

La muerte asesinato de Marat 1934. Centro Pompidou Paris.
La muerte asesinato de Marat 1934. Centro Pompidou Paris.

La fascinación de Picasso por la mutación narrativa, la identidad convulsa de sus personajes...

Paranoia, deseos asesinos, autocastigo, fusión de libertinaje y revuelta..Las pinturas de Marat de Picasso exploran obsesiones cosexuales de los surrealistas, quienes hicieron de las homicidas las heroínas del instinto libre y triunfal. El surrealismo veía una relación directa entre la liberación psíquica y la energía erótica de los crímenes sexuales...uno de esos seres híbridos de sexo indeterminado.. Era la fascinación de Picasso por la mutación narrativa, la tragicómica inversión y sustitución de roles, la identidad convulsiva de sus personajes, que retoman su caracterización en distintas situaciones y contextos. Religión, erotismo y sacrificio ritual atraviesan la obra de Picasso. Ya en 1905 había ilustrado la muerte de San Juan Bautista, con Salomé bailando..con un gesto provocador ante Herodes..una mirada paralizante y mutiladora. Le obsesionaba a Picasso el motivo de la decapitación.

La nadadora 1934. Carboncillo sobre lienzo.182x216cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
La nadadora 1934. Carboncillo sobre lienzo.182x216cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Sueño y mentira de Franco 1, 1937. Aguafuerte y aguatinta sobre papel. Museo Nacional Reina Sofía.
Sueño y mentira de Franco 1, 1937. Aguafuerte y aguatinta sobre papel. Museo Nacional Reina Sofía.

EL GUERNICA: MITO E ICONO

El Guernica fue el cuadro que Picasso decidió exhibir en el Pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937. La noticia del bombardeo por parte de la aviación alemana sobre el pueblo vasco de Guernica durante la guerra Civil fue el revulsivo para que Picasso abordara GUERNICA, UN CUADRO QUE HA SIDO CAPAZ DE TRASCENDER EL MOMENTO HISTÓRICO CONCRETO AL QUE LE PERMITE CONVERTIRSE EN EL GRAN ICONO DEL S.XX.

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

El Guernica 1937.Óleo sobre lienzo. 349cmx776cm. Museo Nacional Reina Sofía.La Legión Cóndor nazi bombardeó Guernica la tarde del 26 de Abril de 1937,era lunes, el dia de mercado tradicional. Se trata de un conjunto imponente de constantes humanas.
El Guernica 1937.Óleo sobre lienzo. 349cmx776cm. Museo Nacional Reina Sofía.La Legión Cóndor nazi bombardeó Guernica la tarde del 26 de Abril de 1937,era lunes, el dia de mercado tradicional. Se trata de un conjunto imponente de constantes humanas.

El gran mural de Picasso y los estudios previos, es un monumento a la destrucción, un grito de indignación y horror amplificado por el espíritu de la genialidad... la luz del dia y de la noche, el caballo destripado, los cuerpos retorcidos de hombres y mujeres delatan el paso del toro enfurecido, que se vuelve triunfal en un segundo plano, tenso por el deseo y el poder estúpido, mientras en la ventana, la Verdad, cuyos rasgos son la máscara trágica con toda su pureza clásica, proyecta su lámpara sobre la carnicería..

No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

En el cuadro aparecen representados doce símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes

  • Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse impasible ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.
  • Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la pietá ,esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco pero para A. Visedo se trata de la República huyendo de Madrid hacia fuera del lienzo (hacia Valencia) al tiempo que se dirige al toro, Picasso, en demanda de ayuda (ayuda en forma de propaganda participando en la Feria de París).
  • Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegoría de la Música, una de las Artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid. En los bocetos fechados en abril, la música, estaba representada por una oreja.
  • Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando que es una talla rota, es decir, otra de las Artes destruida por los rebeldes, la Escultura.
  • Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un sol; para A. Visedo es un guiño al título de la Exposición (de las Artes, en la vida Moderna); el sol es Pegaso, el caballito alado que vimos salir de la herida del costado del caballo-yegua, convertido en Constelación (Pegaso) representando el Arte puesto a salvo.
  • Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso. Según la versión de A. Visedo, Pegaso representa el Arte; Picasso cuenta en el lienzo que las obras de Arte que contenía la Pinacoteca del Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid..
  • Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre.La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Ella lleva un ridículo tocado y en retoques previos Picasso la pintó llorando, tal como representaba siempre a Dora Maar, su amante.
  • Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. No obstante recuerda a Mª Teresa Walter en "mujer con vaso", una de las esculturas que Picasso cedió para ser expuestas en el Pabellón de París.
  • Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas, la Arquitectura.
  • Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya,el tres de Mayo de 1808. Es la forma artística de decir «basta de guerras».
  • Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá. La flecha es considerada por otros, símbolo de la guerra; de ésta guerra.
  • La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae desde él, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su hijo muerto, en símbolo del horror de la guerra moderna. Picasso no deja de hablarnos, en su obra, de sí mismo y de sus circunstancias y aquí no podía ser distinto. Se ha retratado como Velázquez en un lateral y ha colocado a las tres mujeres con las que actualmente tiene algún tipo de relación en este escenario: a Mª T. Walter con quinqué (como en Minotauromaquia, su inspiración); a Dora, su actual amante, la mujer que llora, en actitud implorante y a su esposa, Olga, bailarina que le está haciendo la vida imposible, quemada entre los restos del Madrid bombardeado.

 

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse impasible ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista. Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la pietá ,esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un sol; para A. Visedo es un guiño al título de la Exposición (de las Artes, en la vida Moderna); el sol es Pegaso, el caballito alado que vimos salir de la herida del costado del caballo-yegua, convertido en Constelación (Pegaso) representando el Arte puesto a salvo.Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso. Según la versión de A. Visedo, Pegaso representa el Arte; Picasso cuenta en el lienzo que las obras de Arte que contenía la Pinacoteca del Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid..

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre.La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Ella lleva un ridículo tocado y en retoques previos Picasso la pintó llorando, tal como representaba siempre a Dora Maar, su amante.Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. No obstante recuerda a Mª Teresa Walter en "mujer con vaso", una de las esculturas que Picasso cedió para ser expuestas en el Pabellón de París.Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas

MATER DOLOROSA...Las mujeres del Guernica

Según indica Chipp, justo antes de proyectar la ubicación del mural, Picasso había terminado una serie de dibujos, doce bocetos, todos ellos numerados y fechados. Como muestran los dibujos posteriores el artista empezó a marcar con un círculo los cambios de su composición. La ubicación del foco empezó a variar, siguiendo una trayectoria triangular de su luz.Al poco tiempo ese triángulo se enfrentaba a un rectángulo horizontal del ventanal situado a la derecha del espacio del estudio. La luz y el ventanal empezaron a vislumbrar la trayectoria y su estrategia de mural definitivo. Contemplar esa serie de estudios permite comprender cómo se llegó a ese punto muerto. FUENTE: Anne M. Wagner. Mater Dolorosa.Catálogo de la exposición.


Madre con niño muerto en escalera I y II. De los casi 50 estudios para el mural definitivo, en mucho las vinculaciones quedan terriblemente claras. También se observa que la única figura femenina que formaba parte del cuadro, era la mujer de la lámpara, en parte genio y en parte alegoría cuyos pechos desnudos sirven para soltar amarras de su presencia corporal..porque como figura de verdad no tenía cuerpo alguno. Y debido a su ingravidez, cuando el cuerpo maternal entró por fin en la composición, con él entró tal vez la encarnación en general, el horror de la vulnerabilidad del cuerpo humano. Por primera vez está presente la sangre que en apariencia se acumula entre los pechos de la madre y el cadáver de su hijo, para acabar formando un charco en las rodillas de la mujer que llora. Espeluznante momento que solo puede dejarnos paralizados. FUENTE: Anne Wagner, Mater Dolorosa. Catálogo de la exposición.

Mucho antes de terminar el mural, Picasso realizó una serie de dibujos conocidos como "mujeres plañideras"...Mujeres que parecen atragantarse con su propio dolor, un tormento representado fechados en mayo de 1937. Los dibujos de Picasso se encargaban de representar lo que sucedía cuando los niños muertos encontrados por sus madres, con tal intensidad radical que despertaba en el público una repugnancia producto del horror. El bombardeo de Guernica desencadenó una destrucción que no había tenido provocación...las huellas de la fuerza mortífera de las bombas de las que nadie se escapa. La madre con el cadáver de su hijo lamentando el destino de la criatura al cielo implacable. El que sangra es su hijo, el que muere es su hijo, la que chilla es su boca...el impacto de la bomba recorre todo el mural...resuena una y otra vez..la capacidad de dar sustento se desinfla. Lo lleno esta plano. FUENTE: Anne M. Wagner . Mater Dolorosa. Catálogo de la exposición.

Cabeza de mjer llorando con pañuelo I. Proscripto de Guernica 1937.
Cabeza de mjer llorando con pañuelo I. Proscripto de Guernica 1937.
Mujer con sombrero sentada en un sillón, 1941. Óleo sobre lienzo 130x97cm. Kunstmuseum Basel.
Mujer con sombrero sentada en un sillón, 1941. Óleo sobre lienzo 130x97cm. Kunstmuseum Basel.
Mujer con alcachofa 142. Óleo sobre tabla 195x130cm.Museo Ludwig, Colonia.
Mujer con alcachofa 142. Óleo sobre tabla 195x130cm.Museo Ludwig, Colonia.

Producción de los años 40...Momento mori

Nos sitúa a Picasso ante la postura de la muerte...Afrontar la mortalidad en términos prácticos y verbales donde la calavera es una compañera constante. Al igual que Goya está dispuesto a contemplar las formas realistas que adopta la carne sacrificada, la cabeza de la muerte es una insistencia presente en el arte de Picasso de 1939, durante la II Guerra Mundial y los años de postguerra...

Naturaleza muerta con cráneo de buey 1942. öleo sobre lienzo 130x97cm Kunstsammlung Nordrheim-Westfalen.
Naturaleza muerta con cráneo de buey 1942. öleo sobre lienzo 130x97cm Kunstsammlung Nordrheim-Westfalen.
Tres cabezas de cordero 1939.Óleo sobre lienzo 65x89cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Tres cabezas de cordero 1939.Óleo sobre lienzo 65x89cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Momento a los españoles muertos por Francia, 1946-47. Museo Reina Sofia.
Momento a los españoles muertos por Francia, 1946-47. Museo Reina Sofia.
Naturaleza muerta con cráneo, libro y lámpara de queroseno,VANIDAD 1946. Museo Nacional Picasso Paris.
Naturaleza muerta con cráneo, libro y lámpara de queroseno,VANIDAD 1946. Museo Nacional Picasso Paris.
Naturaleza muerta con puerro, craneo y jarron 1945. Fine Arts Museum of San Francisco.
Naturaleza muerta con puerro, craneo y jarron 1945. Fine Arts Museum of San Francisco.
Busto de mujer 1943. Óleo sobre lienzo.104x85cm. Colección van Abbemuseum.
Busto de mujer 1943. Óleo sobre lienzo.104x85cm. Colección van Abbemuseum.
Mujer con sombrero 1942..Óleo sobre lienzo 73x60cm. Lam, Lille, Metropole, Musée dÁrt moderne, d´art contemporaine et d´art brut, Villeneuve d´asq
Mujer con sombrero 1942..Óleo sobre lienzo 73x60cm. Lam, Lille, Metropole, Musée dÁrt moderne, d´art contemporaine et d´art brut, Villeneuve d´asq

MÁQUINAS DE SUFRIMIENTO...ó la dimensión sádica de los retratos de Picasso.

Las cosas se desmoronan, tras el bombardeo del Guernica, Picasso se abrió cmino hacia una escena pública y doméstica. Las mujeres pasaron a primer plano, no como modelos o monstruos sino como fuerzas activas de un mundo cotidiano de la guerra, mujeres llorando, mujeres peinándose, mjeres atrapadas en un búnker...cuadros arrebatadores, cuerpos femeninos desorganizados, retorcidos, proyecto inescrutable... El rostro de Dora Maar, su amante, se muestra afligido, a simple vista desesperado. La desesperación se desliza hacia el autodominio, una especie de orgullo sosegado por su monstruosidad.FUENTE: Jeremy Melius. La supervivencia de Picasso.Catálogo de la exposición.

Mujer sentada en un sillón Dora Maar 1938. Cuerpo femenino, desorganizado y retorcido.Todo un campo perturbados de ambiguedad visual, presencia volumétrica, vientre pétreo, nalgas comprimidas..antebrazo espectral,figura demacrada..un horror!
Mujer sentada en un sillón Dora Maar 1938. Cuerpo femenino, desorganizado y retorcido.Todo un campo perturbados de ambiguedad visual, presencia volumétrica, vientre pétreo, nalgas comprimidas..antebrazo espectral,figura demacrada..un horror!
Mujer peinándose 1940.Óleo sobre lienzo.130x97cm. Museum of Art, Nueva York.
Mujer peinándose 1940.Óleo sobre lienzo.130x97cm. Museum of Art, Nueva York.
Cabeza de mujer llorando con pañuelo II.Postcripto de Guernica 1937. Óleo sobre lienzo,92x73cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Cabeza de mujer llorando con pañuelo II.Postcripto de Guernica 1937. Óleo sobre lienzo,92x73cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Busto de mujer sobre fondo gris 1943. Óleo sobre lienzo 116x89cm. Coleccion Anthax Marx,préstamo Fundación Beyler.
Busto de mujer sobre fondo gris 1943. Óleo sobre lienzo 116x89cm. Coleccion Anthax Marx,préstamo Fundación Beyler.
Cabeza de mujer llorando con pañuelo II.Postcripto de Guernica 1937. Òleo lápiz, crayon sobre lienzo.55x46cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Cabeza de mujer llorando con pañuelo II.Postcripto de Guernica 1937. Òleo lápiz, crayon sobre lienzo.55x46cm.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

"Cristo es la imagen (visible) del Dios invisible. (Col; 1-15)

 

"La iconografía cristiana transcribe mediante la imagen el mensaje evangélico que la Sagrada Escritura transcribe mediante la palabra. Imagen y Palabra se esclarecen mutuamente" (Catecismo de la Iglesia Católica. II parte; Celebración del Misterio Cristiano; Sección 1160)

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¡Gracias!

A penas 48 horas tras el Cónclave, un joven universitario-FVO- de 4º ESIC-Madrid nos hace llegar esta reflexión sobre el nuevo tiempo de Dios, sustentado en esta imagen creativa de gran belleza.

...No es pequeño el mundo cuando una gaviota pivota en una chimenea, como metáfora viva del Espíritu Santo, presagiando que el nuevo Papa vendría allende los mares...

España llevó la fe a América,ahora realiza el viaje de vuelta. Él es jesuita de oficio y franciscano de corazón...

La fe se transparenta en el gesto del Papa Francisco, indicando desde el minuto cero, donde quiere fijar su mirada: en el pobre de Asís...declara no tener otra mirada que Cristo.

Sobrecoge su gesto sencillo y humildad evangélica, en medio del colapso político y social...llega este descomunal aire fresco de Argentina, Jorge Mario Bergoglio: verdad, bondad y belleza de Dios.

Sus coordenadas: "Una Iglesia pobre para los pobres."

¡Bienvenido Santo Padre Francisco!

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